Regia e drammaturgia: Chiara Bazzoli
Allestimento: Silvio Motta in collaborazione con le studentesse del corso di specializzazione “Metodologia del Progetto” del Dipartimento di Scenografia presso l’Accademia di Santa Giulia di Brescia: Amita Basso, Katia Molinari, Angelina Peroni, Giulia Zenaro.
Composizione e Sound Editing: Kevin Miozzo in collaborazione con il gruppo giovani “Punto Giovani”
Voci: Giuseppina Turra

L’evento è parte del progetto V.V. Via Goito – Volti e Voci di uno spazio in trasformazione, in collaborazione con il Comune di Desenzano del Garda e sostenuto da Fondazione Cariplo.

Note di regia, di Chiara Bazzoli

In “Biùtiful” lo spettatore vivrà quella che di primo acchito potrebbe sembrare una visita guidata di gruppo. Non a un museo, ma a una zona di Desenzano e in particolare allo stabile all’angolo tra Via Mezzocolle e Via Goito, che mi piace definire casa popolare. Ogni spettatore indossa delle cuffie e sente una voce che lo guida. Parte da una zona limitrofa del “Centro giovani” e arriva allo stabile di via Goito, sale e scende i suoi piani. La “voce guida” illustra alcune caratteristiche del quartiere e considera la casa come esemplare di altre case, popolari e non.
La drammaturgia e la regia, nella modalità e nei temi, sono il frutto di un lento percorso di avvicinamento allo complesso di Via Goito. Le prime tappe all’interno dello stabile sono state di conoscenza in gruppo, poi alcuni inquilini mi hanno accolto a casa loro e dato la possibilità di intervistarli. Grazie a queste chiacchiere e alle loro confidenze ha iniziato a emergere la “voce del luogo”. Si è imposta come voce autonoma. Quindi nella drammaturgia non sono gli inquilini che ci raccontano la loro casa, ma è la casa stessa che si svela. La narrazione che lo spettatore ascolta è un intreccio tra la “voce guida” e la “voce della casa” che ci racconta di sé.

Lo spostamento è sintomatico del vivere e conoscere uno spazio. Per questo motivo ho preferito, dal punto di vista registico, immaginare il pubblico in movimento piuttosto che realizzare uno spettacolo frontale, in cui il pubblico è fermo. L’uso delle cuffie permette inoltre di entrare in una dimensione di intimità che è consona con ciò che è domestico.
Il pubblico durante il percorso è coinvolto sia individualmente che come gruppo. Durante la performance grazie all’interazione con le installazioni presenti ai piani e curate dallo scenografo Silvio Motta in collaborazione con le studentesse dell’Accademia Santa Giulia, si inducono alcune semplici azioni. Queste sono rappresentative delle dinamiche di vicinato, ma possono essere valide anche per la costruzione di una comunità. La colonna sonora curata dal giovane compositore e sound designer Kevin Miozzo permette di sostenere e amplificare l’identità della casa e il percorso che lo spettatore compie.

L’obiettivo è quello di coinvolgere gli spettatori in una performance che sia personale, intima e allo stesso tempo possa offrire alcuni strumenti per ragionare sul faticoso processo di costruzione della collettività.

ORTI RESIDENZIALI

La proposta di realizzare degli orti residenziali nel giardino in comune nasce dall’incontro con i residenti. La proposta è stata quella di individuare un’attività collettiva che potesse stimolare le capacità creative dei singoli individui non abituati ad esperienze simili e al contempo sviluppare un lavoro di comunità per rafforzare i legami interpersonali, tematiche riprese anche nella performance.

La realizzazione di orti sopraelevati, pensati per facilitarne l’uso considerata l’età media degli abitanti e che potrebbe avviare una attività di socializzazione anche nella loro gestione successiva, è stata individuata nella zona sud/est del giardino in comune, ora recuperato dopo gli interventi di riqualificazione del fabbricato: la proposta è di una disposizione ad L in corrispondenza dell’angolo a sud al cui vertice è prevista una zona di sosta comune con delle panchine e un gazebo con copertura per l’estate.

Sul lato est è stato invece realizzato anche a scopo didattico, un orto a spirale per le aromatiche, una struttura formata da pietre di sostegno disposte a spirale dove le diverse piante aromatiche ricreano mini zone climatiche per auto sostenersi nella crescita e sviluppo: questa tecnica è popolare nella cultura grazie alla sua efficienza nello sfruttamento della luce solare e nella gestione dell’umidità del suolo.

Chiara Bazzoli – Autrice, regista
Nel 2021 ha realizzato il documentario Le cose ritrovate prodotto da Apulia Film Commission e Fondazione con il Sud, visibile, dalla primavera 2024, su PrimeVideo. Nel 2019 il progetto di documentario I sognatori è stato finalista al Premio Solinas – documentario per il cinema e al PersoLab al Perugia Social Film Festival. È autrice del libro sul tema del disarmo atomico, C’è un albero in Giappone, pubblicato nel 2023 da Sonda edizioni, pubblicato in Austria e prossimamente in Giappone. Da sempre si occupa di teatro, principalmente come conduttrice di progetti di teatro nel sociale.

Silvio Motta – Scenografo
Laureato in progettazione architettonica , inizia una carriera nel teatro, lavorando come assistente scenografo e vincendo il Premio UBU nel 1984. Vive tra la Germania e il Lago di Garda, alternando collaborazioni con studi di architettura e produzioni teatrali. La sua arte si evolve verso installazioni multimediali site-specific, utilizzando video come “quinta dinamica”.

Kevin Miozzo – Compositore
Musicista, compositore e polistrumentista italiano, ha conseguito la laurea in Composizione, Arrangiamento Pop/Rock e Songwriting presso il Conservatorio “Luca Marenzio” di Brescia. Attualmente prosegue la propria formazione in Musica Elettronica al Conservatorio “Cesare Pollini” di Padova. Ha condotto un laboratorio di sound design presso l’Informagiovani di Desenzano del Garda, dove ha guidato i ragazzi partecipanti nell’esplorazione pratica delle principali tecniche di sintesi e registrazione sonora, suscitando curiosità, interesse e divertimento.

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Note sull’allestimento scenografico, di Silvio Motta

L’allestimento scenografico nasce dall‘esigenza pratica di realizzare degli spazi “attrezzati”, funzionali alla performance, progettati in accordo con la regista Chiara Bazzoli, come spazio di interazione tra residenti e pubblico partecipante. L’impianto, collocato sui tre piani dell’immobile, sfrutta la caratteristica propria dell’edificio dove ampi ballatoi smistano l’accesso ai singoli appartamenti, sorta di spazi semi-pubblici derivanti dalla tipologia storica della residenza popolare del secolo scorso, infine luoghi scelti per compiere l’esperienza di confronto tra esterno ed interno, tema ultimo della performance. L’installazione fornisce elementi di arredo a uso comune, da lasciare in loco dopo l’esperienza performativa. Sono stati scelti beni a utilizzo quotidiano quali sedie e tavoli che possono essere facilmente ricollocati a piacimento secondo le esigenze degli inquilini negli spazi comuni non utilizzati dei ballatoi.

I tre piani dell’edificio propongono in accordo con la performance tre tipi di esperienze diverse a secondo del momento narrativo proposto: il piano terra dove si compirà la prima azione collettiva indicata dalla performance, il primo piano dove i partecipanti comporranno una propria mini installazione e il secondo piano dove l’esperienza diventerà interattiva e solo grazie alla partecipazione strategica dei partecipanti sarà possibile risolvere l’attività proposta.

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https://www.fabbricasocialedelteatro.it/progetto/biutiful/

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op. 64 (1935/36, revidiert 1940)
Ballett in 4 Akten von Sergej Prokofjew, Adrian Piotrowski, Leonid Lawrowski und Sergej Radlow
Uraufführung der Choreografie von Annett Göhre

Die wenigen Tage großer Liebe zwischen Romeo und Julia könnten so schön und unbeschwert sein, gäbe es da nicht die tief verwurzelte Feindschaft ihrer beiden Familien. Der Hass zwischen den reichen, in Verona lebenden Montagues und Capulets ist so heftig, dass er das Leben der beiden Liebenden kostet.

William Shakespeare verfasste um 1595/1596 seine weltbekannte Tragödie, die seitdem nicht nur als Schauspiel das Publikum begeisterte, sondern auch andere Künstlerinnen und Künstler inspirierte. Mehrfach wurde das Werk prominent verfilmt, 1996 etwa von Baz Luhrmann mit Leonardo Di Caprio und Claire Danes in den Hauptrollen. Vielfach vertonten auch Komponisten den Stoff. Eine der berühmtesten musikalischen Interpretationen schuf Sergej Prokofjew 1938 — sein Ballett in drei Akten mit einem Epilog war die Grundlage bedeutender Choreografien, etwa der wegweisenden Arbeit von John Cranko 1962. Auch Annett Göhre wird sich 2024 dieser bekanntesten aller tragischen Liebesgeschichten in der Vertonung von Prokofjew widmen: Warum bewegt uns dieser Stoff heute noch? Was erzählt er über bestehende Geschlechterverhältnisse und Rollenmuster von Mann und Frau?

Dieser spannungsgeladene Tanztheaterabend wird musikalisch begleitet vom Philharmonischen Orchester der Stadt Ulm.

Premiere
Donnerstag, 18. April 2024, 19.30 Uhr, Großes Haus

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Musica e storia della terza Guerra d’Indipendenza sul Lago di Garda.

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Coro da camera femminile “Donneincanto” diretto dal M° Alfredo Scalari
attori: Gabriella Tanfoglio, Andrea Manni, Carlo Pardi
musiche originali di  Claudio Bonometti, Guido Umberto Sacco, Andrea Rosa
regia, testi  e scenografia: Silvio Motta

foto Sergio Rossi

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Lo spettacolo “Un dolce suono di libertà”, ideato e organizzato dall’Associazione “DonneinCanto” di Salò e promosso dall’Associazione Culturale “Faro Tricolore”, con il patrocinio e il sostegno dell’Amministrazione Comunale di Desenzano, è presentato in occasione della ricorrenza del 17 marzo, Giornata dell’Unità d’Italia, della Costituzione, dell’Inno e della Bandiera.
Ispirato al valore della musica nel nostro Risorgimento, riprende alcune vicende di quell’importante periodo storico, legate in particolare alla Terza Guerra d’Indipendenza, che portò nel 1866 alla liberazione del Veneto e di Venezia dal dominio dell’Impero Austriaco.
In scena all’inizio due protagonisti del nostro Risorgimento, Mazzini e Cavour, rispettivamente espressione, l’uno dell’anima democratica, popolare e repubblicana e l’altro di quella liberale, moderata e monarchica.

Il dialogo immaginario tratta del tema dell’indipendenza dei popoli e vuole mettere l’accento su tale questione tanto cara ai moti risorgimentali italiani ma che ritroviamo quanto mai attuale nel panorama storico contemporaneo. A chiudere lo spettacolo l’enunciazione dei primi tre articoli della “Dichiarazione dei diritti dell’uomo” delle Nazioni Unite del 1948 sottolineano ulteriormente questo aspetto.
Protagonista della Terza guerra di Indipendenza fu invece, Garibaldi che, dopo aver portato a termine un’impresa ritenuta impossibile, la conquista del Regno delle Due Sicilie, fu l’unico a riportare dei successi nella Terza guerra d’Indipendenza, giungendo con i suoi volontari fin quasi a Trento, ma dovette poi obbedire agli ordini della monarchia e cedere quelle terre conquistate a prezzo di tanto sangue.

Molte delle vicende narrate si svolsero attorno al nostro lago di Garda, a pochi km dalle valli bresciane.

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BIBLIOGRAFIA:

“La flotta di Garibaldi ” Marco Faraoni, Edizioni Araba Fenice 2021;

“il Generale” Guido Pedrosa, ERI-Edizioni RAI Radiotelevisione Italiana 1986;

“Memorie e immagini del 1866, La campagna garibaldina del Trentino attraverso le testimonianze dei garibaldini e della gente” di Gianni Poletti in “Garibaldiner” AAVV, Benacense Studio Bibliografico 1987;

“Memorie d’un garibaldino, 1866″ Eugenio Checchi, Nabu Press 2012;

Camille Claudel, Niki de Saint Phalle, Frida Kahlo, Paula Modersohn-Becker, Germaine Richier

Hommage an fünf große Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts

von Rainer Rubbert (Musik) und Tanja Langer (Textdichtung)

Regie: Ingeborg Waldherr

Bühne: Silvio Motta

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Jede dieser Künstlerinnen zeichnet sich durch ein großes, eigensinniges Werk aus. Jede von ihnen hat ihr Leben auf radikale Weise der Kunst gewidmet, ohne Wenn und Aber. Jede hat der Kunst neue Wege gezeigt.

Einst war ich schön – Camille Claudel (1864 – 1943)

Sie arbeitete in Ton, Onyx und Marmor, stellte Liebespaare, das Alter und Szenen weiblichen Alltags dar. Ihre dramatische Liebe zu Auguste Rodin, dessen Schülerin sie war, stürzte sie – zusammen mit der (Teil-) Ablehnung, die sie bei Kritik und Publikum erfuhr -  in eine schwere Krise. Sie wurde von ihrer Familie, auch ihrem Bruder Paul Claudel, in eine Nervenklinik eingewiesen, wo man sie 30 Jahre ihrem Schicksal überließ. Sie lebte, aus Angst vor Vergiftung, von gekochten Kartoffeln und Eiern.

Fürchterlich ist die Braut am Abend – Niki de Saint-Phalle (1930 – 2002)

Ihre künstlerische Laufbahn begann mit einem Nervenzusammenbruch. Nach einem Klinikaufenthalt übersetzte sie ihre Wut über die konventionelle Rolle als Mutter und Hausfrau in ihre „Schießbilder“, weltbekannt wurde sie mit ihren übergroßen, bunten Frauenfiguren, „Nanas“. Mit Jean Tingeluy verband sie Liebe und Kunst; sie arbeitete unermüdlich; die Gifte der Farben führten zu einem Lungenleiden, an dem sie 2002 starb. Die Kunst war ihr „Notwendigkeit und Erlösung“.

Liebeslied an das Leben – Frida Kahlo (1907 – 1954)

Frida Kahlo, längst eine Ikone, machte ihre wilde Liebe zu Diego Rivera, ihre schweren Unfälle, ihr Leben als Frau, gegen alle Vorbehalte zum Thema. Ebenso ihre „Wurzeln“: Ihr Vater war ein jüdischer deutsch-ungarischer Fotograf, der 1891 aus Deutschland nach Mexiko einwanderte, der sie, wie sie sagte, „Zärtlichkeit und Arbeit“ lehrte. Fridas Mutter hingegen eine traurige Schönheit, die ihre Tochter einer indianischen Amme überließ. Der Text dieses Liedes ist knapp, es sprechen die Farben der Musik.

Porträt im Regen, Lee – Paula Modersohn-Becker (1876 – 1907)

Paula Modersohn-Becker, Malerin in Worpswede, entdeckt in Paris, wo sie sich gegen heftige Widerstände ihres Mannes, des Malers Otto Modersohn aufhielt, ägyptische Mumienporträts und die Abstraktion der Moderne, Cézanne, Munch etc. Ihre ungewöhnlichen Sujets – schwangere und stillende Frauen, experimentelle Selbstporträts – werden immer klarer und radikaler. Im Sommer 1906 lernt sie den Bildhauer Bernhart Hoetger und dessen Frau Lee kennen; sie erlebt den Durchbruch einer großen künstlerischen wie erotischen Kraft.

Je suis la femme – Germaine Richier (1902 – 1959)

Was die Natur des Menschen ist, und was ohne ihn: damit setzte sich die Bildhauerin Germaine Richier in ihren Kreaturen, halb Tier, halb Mensch auseinander, besonders nach ihren Eindrücken des Zweiten Weltkriegs. Sie stellte das Gewitter als Frauengestalt dar, Frauen als Heuschrecke oder Kröte. Ihre Plastiken der törichten Jungfrauen und eine humane Christusdarstellung lösten Skandale aus, doch die Anerkennung war groß; sie hatte Ausstellungen in Basel, Bern, Zürich, mit bekannten Künstlern wie Giacometti. Während der Arbeit für ihre Retrospektive im MOMA in NY 1959 erlag sie dem Krebs.

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Zur Konzeption der Inszenierung

Die Frauen sind wie Tschechows „Schwestern“: Ihre Verwandtschaft macht das Leben in der Kunst.  Sie präsentieren sich anfänglich wie ausgestellte Ikonen; statuenhaft erscheinen sie wie das Inventar einer hochdotierten Kunstwelt. Doch brechen sie ihr Inneres auf, erzählen und erinnern an ihre Liebe, ihre Freuden, ihre starken, stillen oder lauten Kontroversen, ihre gezielten Provokationen und notwendigen Ausbrüche, ihr Scheitern in der Liebe, ihre Schmerzen, ihre Einsamkeit bis in den Tod – und ihr unbeschreibliches Glück, in der Kunst zu leben.

Die verschiedenen Räume werden zu Stationen und wandeln sich zur überhöhten Seelenlandschaft der Ausnahmegestalten.

Realität und Surrealität gehen fließend ineinander über und lösen ihre Grenzen auf. Kunst „verflüssigt sich“ zu Leben, Phantasie und Erinnerung bis reiner Fiktion – entsprechend den hochpoetischen, melodiösen Liedern, die auch musikalisch eine Reise durch das Jahrhundert bilden; der Zeitstrom fließt per Video, in stilisierten Momentaufnahmen, reduziert durch das Jahrhundert.

Das Musiktheater-Projekt spiegelt ein großes und vitales, vielschichtiges Kaleidoskop existentieller Erfahrung der Künstlerinnen wieder.

Die Bühne führt in drei „Akte“ ein und zeigt existentielle Stationen der „Schwestern“, ihren inneren Lebensprozessen folgend, fließend. Gestaltete Gänge werden zu Entwicklungswegen der Künstlerinnen; strukturierte Gesten mit Wiedererkennungswert und körperlich minimalistische oder ausgeweitete Aktionen führen die Frauen.  Es vollzieht sich eine Metamorphose, innerlich wie äußerlich, begleitet vom Video- „Strom“, der durch das Jahrhundert führt.

Im Anfang stellt ein Kubus die außergewöhnlichen Frauen wie Ikonen in einer Art Relief aus; der bewegliche Schaukasten präsentiert sie in „exotischer Schönheit“; ihre Kostüme erinnern an Qualitäten von Max Ernsts Fabelwesen. Wie zusammengepackte „Paradiesvögel“ sind sie anfangs eingesperrt; doch die Kunst „verflüssigt sich zu Leben“ und die Frauen entfalten sich in choreografierte Bewegungsformen und Gesten, spielen mit Fragmenten von Musik und Text; ihr Schaukasten wird zur „Bühne“ und zum Spielinstrument zugleich. Jede taucht in ihre eigene „Geschichte“ ein, spielt mit Raum und dem Objekt, mit Textfragmenten (der Lieder), Bewegungen, ureigenen Gesten und Gängen und in der Interaktion mit den „Schwestern“. Bewegte Bilder und installierte Bilder wechseln sich ab und bilden die Performance.

Der zweite Raum fokusiert sich auf Ausschnitte ihres „realen Lebens“, wie in Schießaktionen aus Provokationslust, Walzertanzen bis zum Zusammenbruch: die melancholische Fensterschau im Regen, das Tschechowsche Moskau wird zum „Paris, Paris“ in Worpswede, Unfälle und südamerikanischer Liebesrausch, Beziehungskämpfe, das Labor der Kunst und die Arbeit mit Natur und Tieren bis zu ihrer Ver- und Gestaltung…. Choreografie und Szene werden zum Bildmaterial in den Museumsräumen, der Kubus spielt mit. Er wird über den Ausstellungsraum zum Spielort, zum einsamen Rückzugsort, zur Spielwiese, zum Atelier, zur Leinwand, zum Schußfeld, Marterpfahl, Anstalt, Zuhause, Sehnsuchtsort, Tanzparkett und vielem mehr; in ihm werden die „Schwestern“ nicht nur wie Objekte ausgestellt, stehend oder sitzend; er bietet ihnen auch Möglichkeiten der Bewegung in und mit ihm; in ihm läßt sich an Händen hängen, rollen, er läßt sich schieben und wird gedreht, er läßt ein- und aussteigen und wird so zur „Bühne“ und zum einzigen und bewegten Großobjekt der Performance.

Der dritte Raum, der ästhetische Zitate verarbeitet, zeigt die exotischen Schönheiten in einer Verdichtung, d.h. was zuvor an Material performt wurde: Höhepunkt! Die Frauen, zentrierter oder demolierter, gebrochener, gezeichnet oder aufgelöst – dort wartet ihr „Lied“, auch „letztes Lied“: Camille- wie eine Mumie sitzend auf ihrem Stuhl des Irrenhauses. Niki in überdimensionaler weiblicher Größe, Frida unbeugsam mit zerbrochenem Rücken wie am Marterpfahl, Paula, in der Melancholie erhoben, Germaine, zerfetzt vom Krebs.

Zu Beginn dominieren tänzerische Bewegung, Gesten, Aktion und Körper, dann im Abschluss Musik, Tanz und Gesang in reduzierten zitierten Bewegungen. Die Reise der Schwestern, ihre Reise durch das vergangene Jahrhundert und ihre Aufbrüche in eine neue Zeit sprechen neu zu uns.

Ingeborg Waldherr, 25.03. 2022

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Städtische Galerie Schwenningen Wie ein Baugerüst Kunst und Nachhaltigkeit verbinden soll

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Bühnenbildner Silvio Motta (rechts) richtet mit den Teilnehmern Amarin Lawton (links) und Stefan Merkel die Müllsäcke, die den Grund des Kunstwerks bilden sollen. Foto: Kratt

VS-Schwenningen – Ganze neun Meter hoch ist das Gerüst, das Silvio Motta im Galeriegarten vor den Sitzstufen Richtung DHBW aufgestellt hat und das am dritten Tag des Sommercamps schon gut gefüllt und behängt ist. Mit Müll. Besser gesagt mit Müll, der aus den städtischen Museen stammt und für rund zwei Monate eine ganz andere Verwendung finden soll.

Ein Baugerüst als Grundidee

Unten, als Art Wurzeln, stehen mehrere Müllsäcke mit reinen Plastikfolien, aus denen gewissermaßen neues Leben entstehen soll, erklärt Bühnenbildner Silvio Motti, der für eine Woche vom Gardasee nach Schwenningen gekommen ist. Er hat im Auftrag der Städtischen Galerie das Konzept für das ungewöhnliche Projekt entworfen. Die Grundidee sei das Baugerüst, das als Bühnenbild auf verschiedenen Etagen bespielbar sein soll – quasi wie im Theater. Darüber hinaus sind zerschnittene Bannerstücke der vor Kurzem zu Ende gegangenen Japan-Ausstellung zu erkennen, die von den Gerüststangen herunterhängen. Weiter oben ist eine Schaufensterpuppe zu erkennen, ein Stockwerk darüber eine Ampel.

Die Intention: Kreativ sein und miteinander diskutieren

Was konkret mit den einzelnen Müllteilen passiert, wie sie auf dem Gerüst angeordnet werden und welche Funktion sie bekommen, das besprechen und diskutieren die Teilnehmer des Projektteams, zumeist Schüler oder angehende Studenten aus VS, im Kollektiv zusammen mit Silvio Motta, den beiden Theatermachern im Amt für Kultur, Thomas Elgner und Ingeborg Waldherr, die Kunstlehrerin am Villinger Hoptbühl-Gymnasium, Kathrin Seuthe, Vanessa Fechtel vom Nachhaltigkeitsreferat der DHBW sowie mit Galerieleiter Stephan Rößler. Denn beim Sommercamp geht es nicht nur ums reine künstlerische Gestalten und um das Kunstwerk, es geht auch um das “miteinander ins Gespräch Kommen”, das Kommunizieren, wie Thomas Elgner betont. “In diesen Tagen realisiert sich etwas, was man nicht planen kann, aus dem Moment, aus dem Tun heraus.” Es sei faszinierend zu sehen, dass Menschen zusammenkommen, die sonst nicht unbedingt etwas miteinander zu tun haben. Die Teilnehmeranzahl sei nicht immer gleich – im Laufe der Woche spreche sich das Camp in den sozialen Medien immer mehr herum und es kämen stets Neugierige dazu. Am Dienstagabend etwa bei der Siebdruck-Aktion sei es richtig voll gewesen.

Kultur hat eine Verantwortung!

Diskutiert wird beim Camp also über die Verbindung zwischen Kunst und Kultur auf der einen und Nachhaltigkeit und Umwelt auf der anderen Seite. Offen, transparent und dabei (selbst-)kritisch und selbstreflektierend sein, das steht für Galerieleiter Rößler beim Projekt besonders im Vordergrund. Wie mit Ressourcen umgegangen werden kann und muss, sei derzeit ein hochaktuelles und hochpolitischen Thema. “Dieses Thema gehört nicht nur in einen (städtischen) Krisenstab, es beschäftigt uns alle”, mahnt er an. Und dabei habe auch die Kultur eine große Verantwortung.

Junge Menschen werden wieder aktiv

“Mit Kunst kann man viele Zusammenhänge darstellen, und sie zeigt, dass Müll wieder wertvoll werden kann”, sagt der 17-jährige Flynn Stein. Zusammen mit Amarin Lawton ist er Mitbegründer von “Fridays for future VS”. Beide möchten ihre Ziele und Ansichten in dieser Woche nun auf künstlerische Weise ausdrücken – und auch andere Jugendliche dafür begeistern. Denn der Trend, dass Jugendliche sich für Themen wie Umwelt und Nachhaltigkeit engagieren, gehe laut Amarin in die richtige Richtung. “Junge Menschen gehen üblicherweise nicht in die Galerie, können aber vielleicht durch solche Aktionen den Bezug zur Kultur wiederfinden.”

Bezug zum Bürk-Areal

Und genau diesen Gedanken möchte auch Stephan Rößler weiterverfolgen. “Was wir hier erleben, wird im Bürk-Areal regelmäßig stattfinden”, macht er Geschmack auf das Museumsprojekt – getreu dem Motto “weg vom reinen Konsum, hin zum Auseinandersetzen, Mitreden und Mitgestalten – und zwar generationenübergreifend”, betont der Galerieleiter.

Das Projekt ist noch lange nicht fertig!

Dass es beim Sommercamp nicht bleiben und das Projekt vielmehr als “Startsignal” gelten soll, unterstreicht auch Ingeborg Waldherr. Denn: Es wird ein Bestandteil der Ausstellung “Utopie Heimat” sein, die in der kommenden Woche eröffnet wird. “Das Bühnenbild ist am Freitag also noch nicht fertig und bleibt im ›working progress‹″, verweist die Theaterpädagogin auf das weitere Angebot, das parallel zur achtwöchigen Ausstellung laufen und sich vor allem an Schul- und Studentengruppen richten soll. So wird das ungewöhnliche Projekt also auch im Oktober und November als offener Raum und Einladung an alle Interessierten fungieren, um sich einerseits kreativ zu beteiligen und sich andererseits auszutauschen.

Info: Das Finale des Sommercamps in der Städtischen Galerie

Unter dem Motto “Eat, meet and connect” lädt die Städtische Galerie lädt am Freitag, 9. September, 17 Uhr, zur Vernissage des Zukunfts- und Kunstprojekts Sommercamp ein. Ab 18 Uhr ist ein rund zweistündiger inhaltlicher Austausch mit Diskussion zu akuten Fragen unserer Klimakrise sowie politischen Zukunftsperspektiven und Handlungsstrategien vorgesehen. “No future war gestern… Zukunft finde ich gut!” betont den politisch-aktionistischen Ansatz, den auch Vertreter von “Fridays for future”, “Extention Rebellion” und der DHBW Schwenningen mit aufnehmen. Ab 20.30 Uhr ist die Präsentation der Großplastik geplant. Der Abend versteht sich als offene Werkschau und fortlaufender Arbeitsprozess in verschiedenen Modulen zu der Frage “Wie wollen wir in Zukunft leben?”, der sich im Herbst fortsetzen wird.

Die beiden Theatermacher Thomas Elgner und Ingeborg Waldherr konnten im Oktober und November wichtige Kooperationspartner wie die Landeszentrale für politische Bildung Stuttgart und Professor Andreas Fath von der Hochschule Furtwangen für Workshops zu politischer Nachhaltigkeit und wissenschaftlicher Expertise gewinnen. Auch Professorin Karin Sauer von der DHBW Schwenningen ist eine wichtige Projektpartnerin.

Weitere Infos gibt es unter auf der Homepage, die beiden Ansprechpartner sind per E-Mail unter ingeborg.waldherr@villingen-schwenningen.de und thomas.elgner@villingen-schwenningen.de erreichbar.

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https://www.youtube.com/watch?v=16IQKLImLbw

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Presentation RO plastic Prize 2023

http://opernloft.de/news_stories/so-war_s_/butterfly-premiere-/

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“Madame Butterfly” als Manga-Oper im Opernloft Hamburg

Die kleine Hamburger Off-Bühne Opernloft im alten Fährterminal an der Hafenkante hat aus Puccinis Klassiker “Madame Butterfly” eine bunte Gegenwarts-Geschichte gemacht – allerdings mit einem ziemlich gewagten Inszenierungs-Kniff.

von Daniel Kaiser

Knallbunt sind die Kostüme: Blaue Haare, rote Stiefel, gelbe XXL-Fliegen! Da singen Figuren wie aus einem japanischen Zeichentrickfilm. Statt Geisha und US-Offizier wie im Original treffen sich vier junge Leute zum Cosplay, einem Rollenspiel mit Verkleidung, und agieren als typische Figuren aus der Anime-Welt. Für die Ausstattung hat Silvio Motta tief in die Manga-Kiste gegriffen. Da gibt es viele Hingucker. Herrlich!

Statt eines großen Orchesters spielt im kleinen Opernloft nur ein Trio: Das Arrangement der musikalischen Leiterin Amy Brinkmann-Davis für Klavier, Kontrabass (Andreas Krumwiede) und Querflöte (Arevik Khachatryan) ist wunderbar gelungen und fängt auch so reduziert die reichen Farben und den Schmelz der Musik ein. Man kann den Zauber Puccinis auch auf kleiner Flamme heiß kochen.

“Butterfly”: Großartiges Sänger-Quartett auf der Opernloft-Bühne

Ljuban Živanović, Aline Lettow und Rebecca Aline Frese vom Ensemble der Produktion “Butterfly” am Opernloft

Das junge Sänger-Quartett agiert auf hohem Niveau: Aline Lettow als Butterfly hat das mitreißende Drama in ihrer Stimme. Ljuban Živanović als Pinkerton singt, als sollte man ihn noch elbabwärts in Blankenese hören. Mit dieser Power hätte er locker mit dem Typhon der Queen Mary II mithalten können. Mühelos erklimmt er die dramatischen Höhen. Er ist ein Pinkerton, der vor toxischer Männlichkeit und stimmlicher Kraft kaum laufen kann.

Die Mezzosopranistin Rebecca Aline Frese hat ein wunderbares dunkles Timbre, das dem Opernabend einen ganz besonderen Sound gibt. Und Lukas Anton rundet mit seinem satten Bariton als Sharpless den gelungenen Gesamtklang ab. So weit, so gut.

Neu ausgedachte Geschichte

Das Sänger-Ensemble im Opernloft: Lukas Anton, Aline Lettow, Ljuban Živanović und Rebecca Aline Frese

Für ihre Inszenierung hat Nina Kupczyk allerdings die Original-Handlung fast komplett über Bord geworfen. Auf der Bühne erklingt zwar der italienische Text. Aber in der Übertitelung geht es in Alltagsprosa um etwas ganz anderes: um die Konflikte der jungen Leute auf der Bühne und auch um Mütter, die ihre Mutterschaft bereuen.

Die Musik wird zu einem rein emotionalen Resonanzraum für die neu ausgedachte Geschichte. Wer auf den italienischen Text hört, ist ein bisschen verloren. Einfach das Libretto Libretto sein lassen und eine eigene Geschichte mit Japan-Motiven erzählen, ist einigermaßen gewagt.

Jonglage mit Japan-Klischees

Man kann Puccini sicher vorwerfen, damals aus der geographischen Ferne und mit musikalischen Mitteln der europäischen Spätromantik ein sehr stereotypes Japan-Bild entworfen zu haben, allerdings jongliert die Opernloft-Version der “Butterfly” ja eigentlich auch vor allem mit Japan-Klischees: Auf der Leinwand sieht man Godzilla eine Stadt zerstören oder immer wieder auch Atombomben explodieren, während auf der Bühne Anime-Gestalten agieren.

Besonders stark ist das Bühnengeschehen allerdings, wenn die ursprüngliche Geschichte und die neue Version zusammenfallen, beispielsweise beim berühmten Liebesduett am Ende des ersten Aktes, (“Vieni! Vieni!”), in dem es auf der Bühne zu Sex mit Anime-Gestik kommt.

Opern-Klassiker zugänglich machen

Zur Philosophie des Opernlofts, dessen neue Heimat fast schon ansichtskartenmäßig direkt an der Elbe liegt, gehört, die XXL-Klassiker der Musikgeschichte zu modernisieren und zu verschlanken, um Oper so einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Musikalisch ist das in diesem Fall hervorragend gelungen.

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Don Pasquale

Komische Oper von Gaetano Donizetti

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Musikalische Leitung:
GMD Ewa Strusińska
Inszenierung: Nina Kupczyk
Bühne: Martin Kukulies
Kostüme und Bühnenbildmitarbeit: Silvio Motta
Dramaturgie: Ivo Zöllner

Choreinstudierung: Albert Seidl

Musikalische Einstudierung: Olga Dribas/Jan Arvid Prée

Trailer Don Pasquale

Das denkende Herz (UA)
Musiktheater nach den Tagebüchern Etty Hillesums  (verfasst 1941–1943)
Ein Auftragswerk des Forum Theater
Unter der Schirmherrschaft von Landtagspräsidentin Muhterem Aras, Stuttgart
URAUFFÜHRUNG am 20. Januar 2019
Text: Olivier Garofalo
Regie: Ingeborg Waldherr

Bühne und Kostüme: Silvio Motta

Dramaturgie: Anna Katharina Setecki

Schauspiel, Gesang: Lena Sutor-Wernich
Musik: Marco Bindelli, Lena Sutor-Wernich

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„…wenn wir dem Chaos hier nicht Trotz bieten, durch etwas Strahlendes und Starkes, das irgendwo an einem ganz anderen Ort völlig von Neuem beginnt, dann sind wir verloren. Ich werde den Weg zu diesem Neuen, Strahlenden finden.“

Wie kann man Unmenschlichkeit und Hass begegnen? Was lässt sich ausrichten gegen die feindliche Stimmung in der Welt? Diese heute wieder aktuellen Fragen stellte sich die jüdische Niederländerin Etty Hillesum bereits 1941. Immer und immer wieder horcht die junge Frau in sich hinein und schreibt Tagebücher, in denen sie sich selbst und die Geschehnisse in ihrer Umgebung unter dem unerbittlichen Terror der Nationalsozialisten reflektiert. Trotz der unfassbaren Schrecken in dieser Zeit gelingt es ihr, den Sinn und die Schönheit des Lebens zu erkennen. Sie reift zu einer immer stärkeren Persönlichkeit und findet ihren ganz eigenen Zugang zum Göttlichen: „Ich ruhe in mir selbst. Und jenes Selbst, das Allertiefste und Allerreichste in mir, in dem ich ruhe, nenne ich Gott.“

All ihr existenzielles Suchen gipfelt in der Frage, wie man trotz dieser Umstände seine Würde bewahren, ja, sogar stärken kann. Ihre Antworten sind Mitgefühl, Mitmenschlichkeit und Liebe — selbst für die äußeren und inneren Feinde.

Mit nur 29 Jahren wurde Etty Hillesum im November 1943 in Auschwitz ermordet. Die in ihren letzten beiden Lebensjahren verfassten Tagebücher wurden erst in den 80er Jahren veröffentlicht; eine Auswahl davon erschien in deutscher Übersetzung als „Das denkende Herz“. Dies ist auch der Titel der neu entwickelten Musiktheater-Fassung für eine Sängerin und einen Musiker, die Hillesums direkte, leidenschaftliche Sprache aufgreift und ihre geistige und seelische Entwicklung in ein sinnlich erfahrbares Erlebnis transferiert.

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Es tanzen
Judith Bohlen ¬ Miyu Fukagawa ¬ Shahnee Page ¬ Justine Rouquart ¬ Nicole Stroh ¬ Juan Bockamp ¬ Elliot Bourke ¬ Jeaho Shin ¬ Vincenzo Vitanza

Premiere-Plauen, Kleine Bühne
Sonntag 09.06.-19:30 Uhr

Zum Stück
„Welchen Einfluss haben unsere Wurzeln auf unsere Identität?“, fragt sich der israelische, weltweit erfolgreiche Choreograf Oded Ronen. Seine Vorfahren stammen aus Plauen. Mit der Machtergreifung der Nationalsozialisten 1933 flohen einige von ihnen vor den Pogromen und Deportationen des Holocaust. Die meisten verloren in den folgenden Jahren, wie Millionen europäischer Juden, durch den NS-Terror ihr Leben. Heute gibt es keine jüdische Gemeinde mehr in Plauen.
Oded Ronen kennt das Gefühl, alte Opferrollen wie eine Last mit sich herumzutragen. Seine erste Arbeit mit dem Ballettensemble am Theater Plauen-Zwickau wird für ihn auch eine Forschungsreise zu den Ursprüngen seiner kulturellen Herkunft. Doch der Choreograf möchte die Frage nach Ausgrenzung und Zugehörigkeit als eine globale betrachten, die sich nicht mit den geschichtlichen Ereignissen erschöpft. Aus der Perspektive eines jungen Israeli setzt er sich nicht zuletzt kritisch mit den politischen Entscheidungen seines eigenen Staates auseinander und sucht mit tänzerischen Mitteln nach vorurteilsfreien Zwischenräumen, um seine Position zu bestimmen. Zwischen Zukunftsglaube, Fanatismus und Empathie lässt die Choreografie das Publikum in ein intensives, multimediales Erleben eintauchen.

27.04.2018 10:00,U.A.

Espace Découverte

Nina Kupczyk Text, Regie
Gordon Kampe Komposition
Silvio Motta Bühnenbild, Kostümbild, Video

mit

Florian Hackspiel Schauspiel (Pinocchio)
Christian Senger Schauspiel (Mastro Geppetto, Fuchs, Docht, Zirkusdirektor, Dr. Eule)
Ensemble LUX:NM
Florian Juncker Posaune
Žilvinas Brazauskas Klarinette

Zoé Cartier Violoncello

Julius Heise Schlagzeug
Marlene Heiß Korrepetition

(Auf Deutsch)

Der alte Puppenschnitzer Geppetto wünscht sich nichts sehnlicher als einen Sohn, doch dieser Wunsch bleibt ihm verwehrt. Er beschließt, eine neue Puppe zu schnitzen, die er auf dem Markt verkaufen kann, um etwas Geld zu verdienen. Als die Puppe fertig ist, gibt er ihr den Namen Pinocchio. Doch die Holzpuppe wird plötzlich lebendig und möchte ein richtiger Junge werden. Das ist gar nicht so einfach, denn dafür muss sie zuallererst in die Schule gehen und darf vor allem eines nicht: lügen! Was hat es mit dem Spielzeugland auf sich, und warum wird Pinocchio von einem großen Wal verschluckt? Wird er am Ende ein richtiger Junge?

Produktion Philharmonie Luxemburg